Devo premettere che la mia cognizione del tempo in questi cinque anni è stata totalmente stravolta da quanto accaduto nel mondo e da quanto questo lavoro è stato totalizzante a livello personale. Penso che Roma, a dispetto delle patologie note che la affliggono, oggi sia un corpo culturale vivo, vivace, spinto soprattutto da un ricambio generazionale che, rispetto al passato, è più visibile. A livello istituzionale invece la situazione è diversa e sono molto pessimista. Per un attimo Roma sembrava avesse delle potenzialità, anche grazie alla presenza di figure culturalmente rilevanti in alcune posizioni strategiche, ma è stato un fuoco fatuo. Oggi, non esistendo nessun bacino critico, la cultura da un punto di vista politico è ridotta a un semplice strumento di piccole dinamiche di potere con una visione legata a ottenere un consenso immediato e circoscritto piuttosto che a una prospettiva più ampia.

È  stato un fattore determinante a livello globale. Da un punto di vista locale ha creato un’accelerazione spazzando via un sistema che stava invecchiando ma che rimaneva ancora in piedi, lasciando spazio a un sistema culturale insieme precario, bipolare, effimero, confuso, emotivo, desideroso e ostinato.

Roma consuma e ti consuma. È una creatura che ti costringe a rimanere con gli occhi aperti perché se abbassi il tiro ti uccide. Un’attitudine che se interpretata in modo positivo è un’esortazione a un’auto interrogazione costante; se la leggiamo con meno ottimismo, questo comporta che costruire qui qualcosa di duraturo e lineare è arduo.

L’ultimo slot di mostre è stato pensato come un numero tematico con Roma come protagonista, per rimanere nella metafora del magazine che ho voluto associare al museo. Abbiamo cercato di farlo a modo nostro, quindi presentando figure storiche ma che parlano al presente, associando linguaggi distanti sulla carta, ma tangenti una volta esperiti insieme. Quando crei un puzzle del genere ti stupisci sempre di come appaiano delle trame di senso e degli echi di lettura che non sembravano esistere.

Durante la pandemia secondo me Roma ha vissuto il vantaggio di saper sopravvivere in una situazione di emergenza perché è la sua condizione esistenziale. Oggi sta vivendo un momento di passaggio e nella corsa a voler allinearsi a una „globalitè“ rischia di perdere la stamina che l’ha fatta resistere.

Ci tenevo a concludere il progetto in modo coerente, chiudendo un cerchio senza sbavature, a sottolineare che il programma di questi cinque anni è stato portato avanti avendo sempre in mente l’idea del museo come mostra. Editoriale era una collettiva che si espandeva in tutti gli spazi del MACRO per la prima volta dalla sua fondazione. Era una dichiarazione di intenti, il desiderio di condividere con la città e il resto delle persone il viaggio che volevamo intraprendere. Post Scriptum è una nota nelle pagine finali che non deve frenare il ritmo del racconto. Il sottotitolo, preso in prestito da Vincenzo Agnetti, è “un museo dimenticato a memoria”. Smantelleremo la griglia del magazine con le varie sezioni che gli hanno dato forma per riportare l’architettura a nudo per poi attivarla con un palinsesto di opere, suoni, immagini, racconti, parole, che lo invaderanno tutto una seconda volta. Mi piace immaginare questa mostra come un jam session la cui musica possa riecheggiare a lungo nella memoria di chi la vedrà o ascolterà.

„Yard“ di Allan Kaprow è come una canzone che, nonostante sia stata scritta sessant’anni fa, non è invecchiata. È un’opera assolutamente attuale sia da un punto visivo che concettuale. Per i molti che la conosco sarà un’opportunità di vederla vivo e di animare un’immagine che abbiamo studiato nei libri di storia. Per tutti gli altri sarà un’epifania insieme allegra e nefasta. „Yard“ è come un caleidoscopio che, a seconda di come lo ruoti, acquisisce dei sensi diversi. È una della qualità più importanti per un’opera d’arte.

Sono i lati di uno stesso disco. Ho sempre avuto una resistenza all’idea di nostalgia, mentre la curiosità di poter rovistare nel passato come fosse un grande armadio pieno di oggetti dimenticati e riattualizzarli è stata una costante fin da quando studiavo. Il motivo per cui ancora oggi – in un sistema artistico dove tutto sembra aver perso sostanza – mi stimola fare mostre è la possibilità che ti regala di creare degli incontri sorprendenti tra opere, linguaggi, storie e persone. La mostra è per eccellenza un qualcosa di effimero, è una storia d’amore fulminante dove ci si può permettere di osare ciò che fuori da lì non si potrebbe fare.

Tra i vari progetti portati avanti in questi anni, „Retrofuturo“ è quello a cui tengo di più in quanto nasceva dal desiderio di dare una identità forte al museo offrendo al MACRO la possibilità di costruire finalmente una collezione che guarda al presente. In Italia questo non avviene. Ad eccezione dell’Italian Council, i musei hanno difficoltà a implementare le loro collezioni. Ho scelto
di puntare solo su giovani artisti italiani perché volevo da un lato dimostrare la vivacità di una generazione e dall’altro farli conoscere anche ai tanti stranieri che visitano il MACRO. Il grande rammarico è che la Sovrintendenza – che gestisce sia l’immobile che la collezione – ha scelto di non voler tenere le opere dei quasi quaranta artisti (la maggioranza realizzate ad hoc) di „Retrofuturo“, rifiutando la possibilità di riceverli in comodato. È un segnale che non fa ben sperare.

Mi auguro che a lavorarci ci saranno persone con la stessa passione, dedizione e cura come quelle che lo hanno portato avanti in questi cinque anni. Ho avuto la fortuna e il privilegio di poter creare un gruppo di lavoro da zero e ho puntato su persone molto giovani, quasi tutte alla prima esperienza istituzionale. Fare quello che è stato fatto – 70 mostre in 5 anni! – in sole quindici persone è stato un atto d’amore. Vorrei che questa immaginazione non andasse dispersa, così come che non lo vada la comunità creatisi attorno al Museo.

Nonostante il pessimismo, mi auguro che si capisca quanto le istituzioni siano fragili e abbiano bisogno di visioni, professionalità ed energie. La sfida più grande per me era dimostrare come una scelta non politica come la mia potesse funzionare, che si può tentare di ripensare qualcosa senza stravolgerlo, che c’è desiderio di vedere qualcosa di diverso.

Avrei voluto immaginare una serie di progetti fuori dalle mura del museo in partnership con altre istituzioni (non per forza nel campo dell’arte visiva) per esplicitare il concetto che il museo è un software piuttosto che un hardware. In tal senso può operare ovunque.

Forse la mostra di Lawrence Weiner nell’agosto del 2020 nel cielo del mare vicino Roma. Era un sogno che avevo da tempo ed è forse il miglior manifesto del mio approccio curatoriale.

Fitzcarraldiana.