Puntata #4

Era nata come una parentesi musicale, diciamo così, di ascolto intimista per «arginare la paranoia del virus» recuperando i dischi persi mentre eravamo in giro per eventi. Ora però ci abbiamo preso gusto e, un po’ per continuare a stare sul pezzo , un po’ per riempire la copiosa quantità di momenti casalinghi o di solitudine con dischi belli ma pure nuovi e non troppo “scontati” (consapevoli della relatività del termine), gli appuntamenti successivi si sono resi praticamente inevitabili. Quasi una necessità, come probabilmente si riveleranno anche quelli a venire. Ma sia chiaro: non staremmo qua se non fossimo fermamente convinti che, ad esempio, andare a un concerto, ascoltare musica dal vivo, ciondolare o muoversi scomposti mentre il suono arriva in faccia e il vicino si muove con noi più o meno a tempo, condividere poi le proprie opinioni e accapigliarsi post concerto sulle impressioni a caldo, resti il miglior modo in assoluto di fruire la musica. Anche per questo, il supporto totale e incondizionato di ZERO va a tutte le piccole realtà, le agenzie di booking e i club che organizzano concerti e che per tutto l’anno ci fanno ciondolare e accapigliare sottopalco, arricchendo la vita culturale e sociale delle nostre città.

Intanto di seguito, e in ordine rigorosamente sparso, una manciata di dischi belli usciti dall’inizio del 2020 (o di imminente uscita) che potrete ascoltare con insolita attenzione in beata solitudine nella vostra stanza. Per arrivare preparati al prossimo concerto, per programmarne uno nuovo, per sopportarne l’annullamento o semplicemente per arginare la paranoia da contagio.

ALBERTO BOCCARDI – “Cairo Primo” (Oltrarno Recordings) Il Cairo come non l’avete mai vista e sentita. Non la città afosa e iponotica che trasuda dai ritmi dei Dwarfs of East Agouza, ma la metropoli tra le più popolose d’Africa raccontata attraverso il radar di un ingegnere aereospaziale diplomato al conservatorio, con un passato in band punk-hardcore e un presente diviso tra la capitale d’Egitto e Milano, dove è anche tra i fondatori di Standards . Il Cairo in una sua possibile sonorizzazione elettroacustica notturna: come guardare il negativo di un’istantanea che fotografa un crocevia di suoni, rumori, culture, interferenze, stratificazione e, all’opposto, assenza di segnale. “Cairo Primo” è il terzo album da solista di Alberto Boccardi, a sei anni dall’ultimo “Fingers” ma con in mezzo svariate collaborazioni notevoli – con Lawrence English, in trio con Mongardi e Bertoni, più di recente con Maurizio Abate e Stefano Pilia. Registrato tra 2017/18 durante la permanenza in Egitto e licenziato dall’etichetta Italiana con base a Berlino Oltrarno Recordings , “Cairo Primo” suona come una mappatura a più dimensioni, frammentaria, disomogenea e quindi idealmente molto fedele alla realtà, di una città che immaginiamo in continuo movimento, che immaginiamo non dormire mai. Andamenti ritmici dilatati e altrove frenetici, esplosioni di suoni e silenzi, pulsazioni vitali tradotti in field recording che incrociano clacson, cantieri in piena attività, onde radio, aerei roboanti e cieli stellati infiniti. Un possibile esito dell’incontro fra tecnologia, memoria e ricerca etnomusicologica contemporanea.

Cairo Primo by Alberto Boccardi

PLONE – “Puzzlewood” (Ghost Box) Il ritorno dei Plone su Ghost Box è un po’ come stringere una coperta di Linus e addormentarsi dopo aver mangiato uno dei funghi di Alice, almeno per chi è incline a cercare rifugio in dimensioni parallele. Il duo di Birmingham torna a vent’anni da “For Beginner Piano”, esordio – e unico disco lungo – su Warp, giusto in tempo per provare a immaginare un luogo fantastico più ricreativo e colorato rispetto a quello in cui viviamo in questo momento storico. Compagni a fine Novanta e primi Duemila di pionieristiche scorribande hauntologiche con Broadcast e Pram, Mark Cancellara e Mike Johnston tornano con la loro variegata collezione di strumentazione analogica e digitale, library music, suoni bizzarri rubati a qualche Gameboy alieno o serie tv per bambini inglesi di metà Settanta, elettronica gommosa e retrofuturistica che delinea – letteralmente – i contorni di un boschetto/parco giochi fatato e misterioso. Divertimento e malinconia, narrazioni di uno spazio tempo indefinito e allusivo che richiamano evidentemente il lavoro di Belbury Poly e come sempre accompagnati da un artwork memorabile e parte integrante del racconto, realizzato da Julian House.

Puzzlewood by Plone

CHRISTIAN DI VITO – “Christian Di Vito” (Union Editions) Se ancora non l’avete fatto, come prima cosa andate su union-editions.it e godetevi uno dei web surfing più psichedelici, avvincenti e se vogliamo pure un po’ retrofuturisti che l’Internet possa offrirvi – almeno in Italia – di questi tempi. Una ricchezza di input, un orizzonte estetico che incrocia visionarietà e minimalismo, ironia, cultura pop ma pure una certa sensibilità avant e di ricerca, non appiattita sui soliti canoni distopici, che contribuisce a connotare questo giovane progetto romano ideato da Giandomenico Carpentieri, già art director e fondatore della casa editrice indipendente Yard Press e legato a progetti (tra cui la rivista Archivio ) dall’estetica sempre molto essenziale, riconoscibile e con una certa vocazione “documentaristica”. Una nuova realtà editoriale, Union Editions, che restituisce un’idea del suono e della visione, e dell’incontro fra le due istanze sensoriali, dove i confini sono poco definiti e codificati a favore di un contenuto dall’impatto (formale e sostanziale) molto forte e orientato ad accendere l’immaginazione e la curiosità dell’interlocutore. A partire dalla sezione “about” del sito e dai materiali fotografici e visivi (poster, libri) dei vari artisti coinvolti, fino ai contenuti sonori, ovvero i dischi – che in futuro coinvolgeranno anche Varg2TM, Telescopes, Hierarchy e Panoram. La prima uscita, già sul Bandcamp della casa editrice, è il nuovo disco di Christian Di Vito, musicista cresciuto nella scena punk hardcore romana e oggi legato a un tipo di ricerca che incrocia elettronica, field recording e musica concreta. Album omonimo in cd e a tiratura limitata, accompagnato da un poster, di ambient-drone music meditativa, un invito all’espansione/dilatazione della mente e delle percezioni attraverso onde sonore e registrazioni sul campo quasi metafisiche, che tracciano un percorso immaginario di progressiva immersione in uno stato di coscienza alterato attraverso suoni cosmico/celestiali, acquatici e rumore bianco. Al mix, le mani fatate di Luciano Lamanna.

Christian Di Vito by Union Editions

THE NECKS – “Three” (Fish of Milk) È praticamente unanime l’opinione secondo cui ogni disco del trio avant jazz di Sydney sia un piccolo e (im)prevedibile miracolo discografico, per natura meritevole di un ascolto a prescindere. Libertà espressiva e capacità di non ripetersi praticamente mai sono le due cifre stilistiche principali che hanno portato la formazione australiana, attiva ormai da oltre 30 anni, a fluttuare controvento e sempre con spirito avventuroso tra sperimentazione, improvvisazione, free jazz ma anche dilatazioni psichedeliche e drone music. Le note del disco utilizzano la parola “winding” e l’espressione – che ricorda il movimento perpetuo del vento ma allude anche al concetto di sinuosità e tortuosità – è effettivamente azzeccata per indicare l’andamento a velocità alternate, composito, capace di affastellare ritmi e umori in lunghe cavalcate (“Bloom”), abbandonarsi a increspate sonorizzazioni notturne e d’atmosfera (“Lovelock”, dedicata alla memoria di Damien Lovelock dei Celibate Rifles), alternando maree di groove (“Further”) e immersioni libere su orizzonti sempre nuovi e incontaminati. Un disco che avremmo volentieri ascoltato anche dal vivo, magari dentro un bosco in estate.

Three by The Necks

MOVIE STAR JUNKIES – “Shadow of a Rose” (Teenage Menopause Rds) Un nuovo album dei Movie Star Junkies in pieno lockdown e isolamento è un po’ come girare con veemenza il dito nelle piaghe dei nostri corpi (e forse pure menti) avvizziti e in prolungata astinenza da musica live per vedere l’effetto che fa. Ma è po’ pure come una terapia d’urto a fin di bene, un improvviso ritorno alla realtà, alla fisicità autentica e liberatoria del rock’n’roll in contrasto con tutta la musica distopica o intimista che sembra andare più d’accordo con l’alone di paranoia e rabbia repressa del momento. Già sei anni dall’ultimo “Evil Moods”, nel frattempo i vecchi e nuovi alias di Stefano Isaia sempre iperattivi (Gianni Giublena Rosacroce, Lame, Love Trap), dentro ancora quel punk blues diretto e sudato che riporta alla mente Gun Club, Birthday Party e una buona fetta della scuderia In The Red. Ma pure meno incursioni nel garage ruvidissimo e più sfumature southern gothic, ballate notturne e sinistre e la sensazione di essere sempre dentro a uno dei peggiori bar d’Oltreoceano.

Shadow of a Rose by Movie Star Junkies

THE LOVELY EGGS – “I Am Moron” (Egg Records) Punk psichedelico, bassa fedeltà e DIY. Se amate queste tre cose e non li conoscete ancora, The Lovely Eggs sono pronti a essere la vostra nuova band preferita. Da Lancaster, in due (moglie e marito, Holly Ross e David Blackwell), vari dischi in dieci anni di attività – tra cui il penultimo e anfetaminico “This Is Eggland” -, un’etichetta con cui si pubblicano da soli (Egg Records) e la produzione già da due dischi affidata al mago dello psych contemporaneo David Fridmann. “I Am Moron” è una scheggia impazzita che fa propria la lezione dei Novanta più irresistibili, rendendoli orecchiabili, ruvidi, acidi. Un frullatore che mescola Sonic Youth, Royal Trux, Gruff Rhys, primi Garbage e Beck, chitarroni da guerre stellari cyber metal, ipnosi e distorsioni, pezzi da due minuti e loop allucinati. Disco ad alto voltaggio, da bere tutto d’un sorso come fosse una bevanda energetica coloratissima e rinfrescante. In heavy rotation su BBC Radio 6 e tra i dischi più venduti in Inghilterra ad aprile, la disdetta a questo punto è non poterne apprezzare le gesta (devastanti) sul palco.

CABEKI – “Da qui i grattacieli erano meravigliosi” (Lady Blunt Records) La prima cosa che colpisce è la nitidezza del sogno. Poi i titoli delle canzoni, tutte strumentali, ma che suonano come poesie. La chitarra (e tutto il resto, il sintetizzatore analogico e la drum machine) di Andrea Faccioli, in arte Cabeki, azzarda un salto lungo dentro una nuova dimensione avant onirica e l’immagine complessiva che ne esce è ciò che colpisce immediatamente dopo, come una messa a fuoco progressiva e inaspettata. Perché quello di “Da qui i grattaceli erano meravigliosi” è un artista che ricerca l’esplorazione e la libertà più che in passato, non solo per l’ispirazione sibillina del disco – un pensiero «sul falso progresso, sul senso di onnipotenza che caratterizza il genere umano» – ma anche per la realizzazione in totale autonomia (il chitarrista veneto ha scritto, composto, arrangiato, registrato, prodotto e mixato l’album da solo, quasi addirittura tutto in presa diretta e senza sovraincisioni). E, infine, per la forte componente naturalistica di cui sembra nutrirsi ogni aspetto della composizione: l’atmosfera fluida e malinconica, la chitarra folk di scuola faheyana, gli arpeggi circolari e le note sintetiche da bosco incantato, la bellezza e il respiro fresco, organico e sognante degli arrangiamenti, come dell’andamento globale del disco.

Da qui i grattacieli erano meravigliosi by Cabeki

THE DREAM SYNDICATE – “The Universe Inside” (ANTI-) Dopo la mina in faccia reiterata per 20 minuti di “The Regulator” in apertura di album, cosa gli vogliamo dire ancora a Steve Wynn e soci? Una bestia a mille teste che ipnotizza e stende, kraut acido e massiccio, cavalcatone circolari infinite che dal vivo sono l’asso vincente dei Dream Syndicate, chitarre, certo, ma pure armonica, sax, sitar e synth e, non in ultimo, il crooning scuro di Wynn. Forse non tutto il resto del disco è all’altezza della composita suite iniziale, che del resto punta parecchio in alto, eppure la sensazione generale è sempre più che in questa nuova vita i Dream Syndicate abbiano deciso di abbandonarsi totalmente a ciò che sanno fare meglio – il rock psichedelico, solidissimo tanto nella sua consapevolezza di sé e dei propri, notevoli mezzi “tecnici”, quanto nella libertà di sperimentare nuove soluzioni. Per “The Universe Inside”, infatti, Wynn ha raccontato che il metodo utilizzato si rifà in parte a quello scelto da Teo Macero per “Bitches Brew” e “On The Corner” di Miles Davis, dischi ampiamenti (ri)costruiti e “post prodotti” in fase di missaggio. Il risultato, nel caso dei Dream Syndicate, incide sicuramente nella complessità finale, nella sempre più evidente tendenza alla dilatazione e alla reiterazione di cellule ritmiche e melodiche con numerose aperture a contaminazioni/fusioni (jazz, funk, avant). Un disco la cui costruzione ha una certa componente di “laboratorio”, di assembramento delle parti, ma che principalmente pulsa per la rinnovata capacità dei Syndicate di portare in studio l’energia delle loro indomite jam dal vivo.

The Universe Inside by The Dream Syndicate

A.V. – “Klaustrophobie” (via Bandcamp) “Klaustrophobie” è la fotografia sonora di un luogo, di un momento storico, se vogliamo pure di una scena allargata (quella avant elettronica italiana, con centro nevralgico a Roma). Ma prima di tutto è l’espressione di una necessità, anzi di almeno due necessità primarie dell’essere umano: quella di assembrarsi, di far parte di una comunità, di relazionarsi con altri individui, ma anche di esprimersi, di non restare silente, di dare un suono (anche) all’isolamento. “Klaustrophobie” è la compilation messa su in questi giorni di lockdown dal team del Klang , giovane spazio romano dedicato alla sperimentazione sonora, attivissimo in città e simbolo, insieme ad altri luoghi di cultura dal basso, di un dinamismo che difficilmente può fermarsi, un dinamismo che nella normalità va a coprire i vuoti della cultura emersa e che, seppur senza tutele, si trova oggi (come in numerosi altri casi) a fare un passo avanti, chiamando a raccolta gli artisti che hanno calcato uno stesso palco per dare un segnale di vita al suo pubblico – e magari intanto raccogliere fondi destinati alla beneficenza (in questo caso i proventi della compila andranno alla protezione civile). Noise, ambient, elettronica interstellare e industrial, beat e sviaggio, elettroacustica e techno con tutti inediti o versioni live mai ascoltate prima di artisti che hanno suonato al Klang, con un importante zoccolo duro romano ma anche con vari artisti di altre parti d’Italia e internazionali – tra gli altri, Luciano Lamanna a I Feel Like A Bombed Cathedral, Camilla Pisani, Mantenna (Donato Dozzy e Stefano Di Trapani), Key Clef e Mai Mai Mai. Iniziativa fresca di stampa e assai corposa che va ad aggiungersi alle altre buone azioni che potete fare via Bandcamp. Poi non dite che questi con la fissa per il rumore e la cassa non sono pure dei bravi ragazzi.

Klaustrophobie by Klang gathered V.A.

DANIEL AVERY & ALESSANDRO CORTINI – “Illusions of Time” (Pias) Recupero quasi d’obbligo per questa joint venture tra il poliedrico produttore inglese e uno dei maestri italiani della manipolazione analogica. Una collaborazione in realtà tutt’altro che estemporanea, che riprende il filo di un 7″ congiunto, “Sun Draw Water”, uscito in edizione limitata nel 2017 e che vede Daniel Avery e Alessandro Cortini lavorare a distanza per anni – per poi chiudere il disco nel giro di tre ore, faccia a faccia nel 2018, durante il tour dei NIN con Avery in supporto. Il titolo anticipa un orizzonte sonoro dalle coordinate spazio temporali distorte, illusorie, cinematiche, più vicino alla sensibilità del musicista italiano – in termini estetici e sonori – che ai beat del britannico, qui totalmente assenti. Ambient distorta ma confortevole, introspettiva, magniloquente, droni cosmici che avvicinano “Illusions of Time” a un flusso di coscienza a metà tra le ambientazioni dei Boards of Canada, certo space rock rumorista e dilatato dei Novanta (leggasi alla voce Flying Saucer Attack, ma meno ruvidi) e il primo post rock. Missaggio a cura di uno degli orgogli italiani del sound engineering, Marta Salogni, e ascolto perfetto in tempi di sfasamenti e reclusioni.

Illusion of Time by Daniel Avery & Alessandro Cortini

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Puntata #3 Puntata #2 Puntata #1

Puntata #3 ASTRAL TRAVEL – “If You Say You Are From This Planet, Why Do You Treat It Like You Do?” (Hyperjazz) Il talento free form di Tommaso Cappellato, il trattamento avant/elettronico di Rabih Beaini alla produzione, la voce del leggendario musicista di Los Angeles Dwight Trible, la volontà di contaminare diversi linguaggi musicali ma soprattutto di esplorare nuovi orizzonti del giovane marchio Hyperjazz. Sulla carta gli elementi c’erano già tutti per una missione astrale fuori dall’ordinario, e in effetti il nuovo album del batterista e producer dà forma a una narrazione coesa e avvincente, ma non di immediata assimilazione, che è insieme umana, ancestrale, ma pure aliena, sci-fi, soprannaturale. Merito, da un lato, dei testi del disco ispirati alla fantascienza delle poesie di Sun Ra e al suo libro “This Planet is Doomed”, che immagina e tratteggia i rapporti tra uomo, spiritualità e natura, qui esaltati dalla voce profonda di Trible; dall’altro, di un discorso musicale condotto da Cappellato che sperimenta, senza cedere alle convenzioni, l’incontro fra la scuola cosmica tradizionale di Pharoah Sanders e gli aggiustamenti sintetici da laboratorio avant di Beaini. Esperienza d’ascolto arricchita dalla ricchezza cromatica molto “naturalistica” (flauto, clarinetto basso, piano elettrico, percussioni) dell’ensemble, composto da Camilla Battaglia, Fabrizio Puglisi, Piero Bittolo Bon e Marco Privato. Un lavoro che in un certo senso codifica, senza scorciatoie, la vocazione di Hyperjazz di innovare il linguaggio jazz immaginando un percorso personale e consapevole.

If You Say You Are From This Planet, Why Do You Treat It Like You Do? by Astral Travel

HORSE LORDS – “The Common Task” (Northern Spy Records) Musica sperimentale e pensieri radicali. Sintetizzare il composito labirinto sonoro (cfr artwork) di una delle creature avant più potenti – anche dal vivo – uscite dalla scena underground di Baltimora è praticamente impossibile, ma questa (auto)definizione ci si avvicina. Musica fisica e cerebrale, geometrica e ballabile, cervellotica ma anche liberatoria, che in questo ritorno a quattro anni dal precedente “Interventions” avvicina la band americana sempre di più a padri spirituali disallineati come The Ex, Rhys Chatham e Glenn Branca. Gli Horse Lords tornano con un altro groviglio muscolare di kraut, minimalismo, post/math rock fatto di reiterazioni e dissonanze, sax e poliritmi concentrici, funk bianco e propaggini impro, ma pure divagazioni cosmiche (le cornamuse space di “The Radiant City”) e suite etno-ambient che scompaginano la possibilità di ragionare su coordinate geografiche (New York? Quarto Mondo? Colonia?). Ma offrono il disco perfetto per la vostra prossima sessione segreta di ballo sfrenato in perfetta solitudine.

The Common Task by Horse Lords

MAURIZIO MARSICO/STEFANO DI TRAPANI – “The Greatest Nots” (Plastica Marella) Autori, titolo e copertina suonavano già come una dichiarazione di intenti. Eppure l’asse Milano/Roma composto dai due battitori liberi della cultura sotterranea italica oggi riesce comunque a spiazzare dal primo minuto, aprendo questa collaborazione inedita “che prima o poi doveva succedere” con quella che potrebbe essere la turbo sigla di un programma d’intrattenimento trash anni Ottanta fuori dalla fascia protetta (più per il bizzarro registro psicotropo che per riferimenti soft porn). Synth e chitarroni metallici che introducono a un disco di canzoni tra no wave, synth pop storto e visioni industriali deformi e multiformi, in cui un certo orizzonte psicotico e di provocazione mai “sovrastrutturata” riesce a tenere insieme – e soprattutto a rendere credibili – divertissement contro lo sporco, improvvisazioni al piano, field recording psichedelici, beat distorti e citazioni surreali, schegge impazzite di elettronica acidissima e bozzetti satirici irriverenti e concettuali. Roba che farebbe contenti in un solo colpo Residents, R. Stevie Moore e i più grandi sostenitori del Grande Complotto.

The Greatest Nots by Maurizio Marsico – Stefano Di Trapani

JOYFULTAK – “A Separation of Being” (Constellation) Trentatré minuti di nuotata (pare un sogno), a diversa intensità e profondità. Letteralmente una fuga dalle quattro mura casalinghe, questo terzo disco di Jay Crocker: musica dal potere rigenerante, che qui ovviamente è anche quello della ripetizione, un ascolto che scorre, scivola, rinfresca e tonifica le membra stanche attraverso tre lunghe suite/movimenti di elettronica espansa e fluttuante sull’asse Reich/Spiegel, ricreata anche con strumenti homemade (tra cui immaginiamo anche percussioni come vibrafoni). Minimalismo e suoni orientali (gamelan?), sintetizzatori analogici luminescenti, beat profondi e finanche archi, tra bracciate e scivolamenti, respirazioni orchestrali alternate e paesaggi naturalistici coloratissimi – come del resto già promette l’artwork (e l’altro volto da artista visivo di Crocker, che qui compone visualizzando la musica) e come suggerisce la cittadina immersa nel verde della Nuova Scozia, Crousetown, da cui l’artista conduce l’immersione. Disco bellissimo.

A Separation Of Being by JOYFULTALK

GERMAN ARMY – “Animals Remember Human” (Artetetra) La proiezione su più dimensioni di Artetetra è passata in un attimo dall’essere sguardo bizzarro su un potenziale futuro a plausibilissima lettura distopico/hauntologica avvolta in un anelito esotico e straniante di una contemporaneità costretta alla paranoia e all’isolamento. Con l’ultima cassetta prodotta dall’etichetta marchigiana (in collaborazione con Crash Symbols per l’edizione in vinile), la rampa di lancio si sposta in California, con una sigla nota e prolifica come i German Army di Peter Kris. Il suono post industriale e rigorosamente a bassa fedeltà si sposta qui verso un’attitudine collagista che ha le fattezze della ricerca antropologica mutante, in cui finiscono ovviamente field recording e frattaglie di elettronica lo-fi, ma anche echi dub, ritmi talvolta addirittura ballabili di musica dal mondo, suoni recuperati da chissà quali vinili e cassette che danno nuove forme a paesaggi di un nuovo pianeta, in cui natura e scarti metropolitani si confondono. Musica dal quinto mondo ad alto voltaggio lisergico, per un lungo ascolto composito, alienante ma a suo modo realistico a metà fra Cabaret Voltaire, Suicide e Not Not Fun. Prima che vengano posti limiti pure ai viaggioni mentali, il consiglio è di farsi un giro sul bandcamp dell’etichetta marchigiana.

Animals Remember Human by German Army

IRREVERSIBLE ENTANGLEMENTS – “Who Sent You?” (International Anthem) Poche coordinate per capire al volo che, se già non lo aveste intercettato (per quanto sia uscito ufficialmente il 20 marzo), questo è uno dei dischi avant che lascerà il segno sul 2020 – o che quantomeno meriterebbe di lasciarlo. Politico, free form, ma soprattutto vibrante, intenso, alimentato dall’energia potente del fuoco, del jazz, della poesia e della militanza. Irreversible Entanglements è un collettivo di “liberation-oriented free jazz” nato a inizio 2015 in occasione dell’evento benefit Musicians Against Police Brutality, organizzato dopo l’uccisione di Akai Gurley da parte della polizia newyorchese. La voce e i testi sono quelli perforanti di Camae Ayewa a.k.a. Moor Mother, che incontrano il sax di Keir Neuringer e il basso di Luke Stewart. Il risultato è un’eruzione di magma incandescente, energia che sembra arrivare dal cuore più nero della Terra, un flusso free form dentro cui trovare la poesia ai limiti del rap di Ayewa, sax, percussioni, tromba, basso a trascinare un groove incredibile pur nella sua sostanziale libertà formale, talvolta fluido altrove granitico. Una lunga jam tra cosmogonia e protesta, come dei Sunwatchers meno avant rock (ma con punte di punk e psichedelia nel DNA) e più afro, con sopra i versi di Kate Tempest. Avrebbero dovuto essere in tour a marzo con un passaggio in Italia per Novara Jazz ma, purtroppo, la data è stata inevitabilmente annullata.

Who Sent You? by Irreversible Entanglements

MY DEAR KILLER – “Collectable Items” (Boring Machines) «Un disco pieno di amarezze assortite e storie andate storte». Il numero 99, per Boring Machines, che idealmente chiude il ciclo delle cento uscite con lo stesso artista che lo aveva aperto nel 2006. La vocazione introspettiva, tutta chiaro scuri (soprattutto scuri) e alt folk di My Dear Killer – aka Stefano Santabarbara – non cambia ma si arricchisce in termini sonori e, soprattutto, pur nella malinconia abissale dei brani è un ascolto perfetto per risuonare sincero e a suo modo protettivo, accogliente, nella solitudine di una stanza. Chitarra acustica ed elettrica, field recording e loop di nastri, archi sintetici campionati (col supporto di vari musicisti, tra cui Matteo Uggeri) e una minuziosa collezione di suggestioni (molto invernali, fin dalla copertina), personaggi e presunti fallimenti, corde solleticate dall’inquietudine e lirismo d’altri tempi: il paesaggio sonoro che ne esce fuori è nitido e al contempo ricco di dettagli, seppur plausibilmente immersi in una densa nebbia emotiva.

My Dear Killer – Collectable Items by Boring Machines

THE OSCILLATION – “Droneweapon” (Bandcamp) Qualcuno doveva pur farlo. Un tributo a una delle performance live (e della relativa messa su disco) più incredibili, all’avanguardia e allucinogene degli Ottanta. Che un po’ come tutti noi, anche Demian Castellanos sia tra gli ormai numerosi adepti degli Spacemen 3 lo sapevamo già. Oggi, in uno slancio di riverenza e generosità, tira fuori un omaggio a quel capolavoro di “Dreamweapon: An Evening of Contemporary Sitar Music” (e in particolare alla suite “Ecstasy In Slow Motion”), culto sommerso – e riportato all’attenzione con la ristampa di Superior Viaduct di un paio di anni fa – e tripudio di minimalismo estatico che potremmo riassumere col sempiterno adagio «prendere droghe per fare musica per prendere droghe». Un’unica traccia di cinquanta minuti a base di droni cosmici e circolari, quella di Castellanos, il cui esito ricorda un’altra clamorosa uscita degli ultimi anni, il progetto Infinite Music (in questo caso in omaggio alla Dream Music di La Monte Young, praticamente l’antenato diretto di “Dreamweapon”, con Peter Kember ai controlli). Un saluto solidale agli amici da casa che in questi giorni di lockdown hanno finito la droga.

Droneweapon by The Oscillation

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Puntata #1 Puntata #2

Puntata #2 DIVUS – “2” (Boring Machines) «Sembra di stare sull’astronave di Alien» dicevamo un paio di anni fa, quando lo shuttle Divus aveva appena intrapreso la sua missione. Il viaggio di una delle accoppiate avant più azzeccate degli ultimi anni, Luciano Lamanna – agitatore delle notti techno della capitale e molto altro – ai sintetizzatori modulari e Luca T. Mai, infernale soffiatore di sassofoni per ZU e Mombu, prosegue lungo un discorso narrativo sempre più solido e avventuroso. Sempre più immerso nel buio spaziale ignoto e profondo, affrontando insidie, driblando asteroidi, abbandonandosi a lunghe cavalcate notturne. Il sax è instancabile bordone/motore propulsivo e i synth micidiale arma da fuoco, in un disco che piacerà agli amanti dell’isolamento mai forzato, perfetto per essere ascoltato nel buio della propria stanza, fantasticando su nuovi scenari metropolitani possibili. Odissea nello spazio in cui i riferimenti spazio-tempo non possono che saltare, assimilando distopie futuriste all’essenzialità delle origini, rivelate da un artwork altamente psichico.

DIVUS – 2 by Boring Machines

SIGN LIBRA – “Sea to Sea” (RVNG Intl.) L’ascolto integrale di “Sea to Sea” è il sottofondo adatto per una full immersion nell’archivio a tema abissi di National Geographic. I mari raccontati dalla compositrice lettone Agata Melnikova, però, non sono letteralmente quelli terrestri e fatti di acqua ma una trasposizione metaforica dei mari lunari. Mistero, misticismo, auree celestiali e, manco a dirlo, una gran voglia di fuga dal Pianeta Terra – che però ha molto più a che fare col sogno, con un pop acquatico e ipnagogico, piuttosto che con la fantascienza e tutto il resto. Sintetizzatori e vocalizzi eterei a metà tra Sakamoto, new age e Kaitlyn Aurelia Smith, gli strumenti per un’armonia naturalista che a tratti richiama anche l’Oriente. Equilibrio, eleganza, giocosità: l’astrologo si giocherebbe tutto su una luna in Bilancia.

FERA – “Stupidamutaforma” (Maple Death Records) Più per chiarirne la sostanza che per pura esterofilia (ché lo sappiamo, in Italia di etichette indipendenti che spaccano ce ne sono), ecco il disco che non t’aspetti che avremmo potuto intercettare nel catalogo Kranky (ma pure prima Warp). E forse pure uno dei più adatti per sonorizzare l’isolamento – reale o percepito – di questi giorni, trovando un buon equilibrio tra stimoli sensoriali e cerebrali, decompressione e dinamismo circolare, spiritualità e musica per il corpo, suoni liquidi, pulsazioni terrene ed errori digitali. Fera è Andrea De Franco, musicista pugliese con base a Bologna ma ancor prima illustratore, che ha letteralmente composto, assemblato “Stupidamutaforma” nell’arco di dieci anni, trovando nell’assoluta trasversalità di Maple Death la casa giusta per dare luce a un disco notevole ai confini tra ambient, esplorazioni cosmiche e IDM. Elettronica perlopiù modulare, luminescente, a tratti malinconica, talvolta inaspettatamente fisica e colma di tensione, sull’asse Boards of Canada/Basinski. Ascolto consigliatissimo per esplorare labirinti onirici ma pure scuotere membra assopite.

Stupidamutaforma by Fera

LEE RANALDO & RAÜl REFREE – “Names of North End Women” (MUTE) Lo sappiamo tutti che, alla fine dei conti, il più imprevedibile e sperimentale dei Sonic Youth, per vocazione, è Lee Ranaldo. Avventuroso anche quando non si tratta di noise, di tirare fuori suoni pazzi da chitarra e archetto. Stavolta il chitarrista usa moderatamente il suo strumento principale per esplorare le potenzialità dei campionamenti, delle manipolazioni di suoni analogici prodotti con un registratore, assieme all’uso di vibrafono, marimba, tecnologie moderne e vintage. Chiaroscuri e mistero, folk e rituale, musica concreta, poesia e ritmi asimmetrici sono le coordinate principali in termini di suoni e atmosfere per un album tutto centrato sulla parola e sulla sperimentazione, ispirato da un quartiere di Manitoba, dove tutte le strade portano nomi propri di donna (come parlassero di storie e donne universali). Assieme a Lee il sodale Raül Refree, musicista spagnolo che ha recentemente rinnovato la tradizione del flamenco (lavorando con Rosalía) e già con lui nel precedente “Electric Trim”. Lo aspettiamo (fiduciosamente) in Italia nella seconda metà di aprile.

STEVE PEPE – “2020” (Macadam Mambo) Nella giungla afosa di Manuel Cascone fa decisamente troppo caldo per il virus e il laboratorio dove si analizzano le contaminazioni è votato agli studi ritmici e alle ibridazioni benefiche più che alle influenze e paranoie virali. Il 2020 di Steve Pepe, quindi, piacerà a chi non si abbandona agli scenari post apocalittici ma, piuttosto, continua a fantasticare di orizzonti esotici, mondi lontani e rigogliosi dove pur nelle acque torbide gorgoglia nuova vita, nelle forme di dub, elettronica psichedelica, groove tribali, mentali, sinuosi e liberatori. Disco uscito a inizio anno che, nella sua copiosa e generosa interezza, farà sentire meno la mancanza dei numerosi set che il musicista romano diffonde nella Capitale sotto forme sempre nuove e mutanti.

STEVE PEPE “2020” (MMLP6006) by Steve Pepe

HOLDEN & ZIMPEL ‎– “Long Weekend EP” (Border Community) Non poteva che essere a firma James Holden il disco presa bene di questo secondo giro di nuove uscite. Lo anticipa il titolo dell’EP, ma a dare sostanza all’effetto benefico delle quattro tracce è la libertà e ariosità compositiva di quello che ormai è chiaro sia il portabandiera degli esploratori cosmici dell’elettronica contemporanea. Ancora più distante dalla forma canzone che con “The Animal Spirits”, “Long Weekend” è un disco di stratificazioni modulari ipnotiche e colorate scaldate dal timbro free del clarinetto del polacco Waclaw Zimpel e, su due tracce, arricchite dalla chitarra dell’altro Zimpel, Jakub. L’improvvisazione jazz incontra l’elettronica interstellare e la reitera attraverso pattern minimalisti, fluidi e circolari. Quattro tracce per un totale di mezz’ora che potreste pure mandare in loop da mercoledì a domenica (facendo pausa il venerdì).

PUFULETI – “Catarsi Aiwa Maxibon” (Legno & La Tempesta Dischi) Nel sottobosco romano il nome di Pufuleti gira ormai da un po’, e questo soprattutto grazie al lavoro di ricerca del collettivo Misto Mame , cresciuto tra San Lorenzo e Fanfulla e particolarmente attento alle nuove contaminazioni tra rap ed elettronica sperimentale. Per chi li segue, questa è per certi versi solo l’uscita formale e ben confezionata del secondo album “Catarsi Aiwa Maxibon”, pubblicato già a settembre in versione digitale super punk e underground con una zine a cura del collettivo, e oggi libera di circolare in maniera relativamente “upperground” grazie alla coproduzione di Legno e La Tempesta e ai riscontri del precedente “Tumbulata”. I dati anagrafici ormai li saprete: siciliano di Naro – un paesino in provincia di Agrigento – poi finito in Germania nei boschi vicino Francoforte, Giuseppe Licata è praticamente tutto quello che vorremmo oggi dal rap: contaminazione, originalità, beat vecchia scuola ma esplorazioni linguistiche nuove e visionarie, ironia al servizio dell’analisi sociologica dei nostri tempi. Hip-hop smagnetizzato cupo e psichedelico, beat e rime intrappolate in un’autobiografia in VHS mai esistita, roba familiare solo agli amanti di gente come Earl Sweatshirt, Madlib o Knxwledge. Aspettiamo il recupero delle date live, previste per fine marzo, per godere del flusso di coscienza sciolto nell’acido dello stretto di Messina.

OCH – “II” (Rocket Recordings) Viaggiare senza uscire di casa. Prima che ci faccia una playlist posticcia Spotify, noi vi consigliamo di farvi un giro sul Bandcamp di Rocket Recordings, ad esempio, e spingere play su uno dei numerosi viaggioni psichedelici in prima classe che la label inglese propone. Nuova creatura cosmica proveniente da quella terra tradizionalmente psych-prog che è stata la Svezia tra Sessanta e Settanta, gli Och fanno parte del giro Hills/Flowers Must Die e quindi appartengono anche all’ideale linea di discendenza virtuosa dei padri Träd Gräs Och Stenar. Esordio omonimo nella forma di monolite space rock ad alto voltaggio, decollo altamente elettrificato, orbite circolari ampiamente reiterate, propulsori sintetici in supporto, atterraggio previsto in località segreta a metà tra Monaco e Forst.

II by OCH ALFIO ANTICO – Trema la Terra (Ala Bianca) Il futuro era ieri. Il Tamburo di Alfio Antico torna a farsi voce narrante di storie arcaiche senza tempo, racconti universali di un passato lontano che si scontrano con la contemporaneità, non solo nella pratica sonora ma anche in quella ciclicità perpetua e piena di contrasti in cui l’uomo si confronta con la natura. Il tamburellista di Lentini è maestro di vita ancora prima che maestro di pelli, e la credibilità di questo percorso che unisce la tradizione popolare siciliana e pastorale con l’elettronica, le tammurriate e le tarantelle con accenni noise e narrazioni ombrose alla Tom Waits trova credibilità in tutta la strada che Antico ha percorso prima di arrivare a noi, attingendo a un paniere di esperienze, tecniche e visioni vissute in prima persona, solide, concrete e pertanto potentissime. “Trema la Terra”, titolo che non sarebbe potuto essere più attuale, per un artista letteralmente magnetico sul palco, che vedremmo bene assieme a (più o meno) giovani leve come Pufuleti e Mai Mai Mai (in attesa che i live saltati a marzo vengano presto recuperati).

I DISCHI PRECEDENTI

Puntata #1

Puntata #1 HALLELUJAH! – “Wanna Dance” (Maple Death Records) Alla temporanea incertezza esistenziale rispondiamo con la fede. Ovviamente nel rumore. La formazione del Nord Est tira fuori il primo album lungo: un concentrato di punk, noise, devianza scomposta e synth sci-fi che promette di farvi ballare senza sosta pure se fuori fosse in atto l’Apocalisse (teneteli d’occhio perché saranno in tour ad aprile).

Wanna Dance by Hallelujah!

DAN DEACON – “Mystic Familiar” (Domino) Se parliamo di party matti dentro casa, ma pure di rituali d’ascolto solitari o collettivi per restare di ottimo umore (con o senza supporti sintetici), Dan Deacon è il capo villaggio che fa per noi. Torna con un disco che parla di meditazione, ma dentro cui troverete in realtà tutta l’elettronica space-dance multicolour e giocherellona adatta a un Decameron 3.0.

Mystic Familiar by Dan Deacon

RAINBOW ISLAND – “ILLMATRIX” (Artetetra) Per dirla con quei mattacchioni di Artetetra , il nuovo album del trio romano è «un’odissea tropical-futurista di dub gorgogliante e riddim aleatori», un fitto racconto su distopie tecnologiche e dimensioni alternative perfetto come colonna sonora visionaria e ironica dei tempi che corrono. Disco da ascoltare rigorosamente in cuffia con un mojito nella mano destra e una sigaretta magica nella sinistra (qualche data live tra marzo e aprile in giro per lo Stivale, restate sintonizzati).

ILLMATRIX by Rainbow Island

OVO – “Miasma” (Artoffact Records) Professionisti del rumore e della devastazione e dove trovarne. Con il duo con base a Ravenna composto da Stefania Pedretti e Bruno Dorella si sprofonda in abissi post apocalittici densi e sulfurei verso cui le ossessioni da pandemia fanno letteralmente un baffo. L’alienazione non è contingenza ma attitudine, sopravvivenza, stile di vita. Avant rock in decomposizione che si contamina con sludge, elettronica horrorifica, melme sonore mutanti e scurissime, la versione italica e più asciutta dei tanto amati e blasonati Gnod. La fine del mondo come non la conosciamo, e come gli OVO predicono da ormai circa 20 anni.

Miasma by OvO

KING KRULE – “Man Alive!” (True Panther Sounds/Matador) In realtà, se vi siete persi il nuovo album di Archy Marshall probabilmente vivete su Marte e pertanto non avete bisogno di banali consigli d’ascolto come antidoto al virus. E però, in una lista con gli album più interessanti usciti dall’inizio del 2020, sarebbe un errore non inserire il ritorno del bluesman alcolizzato (che ha ribaltato i canoni del pop) più giovane del Pianeta Terra. King Krule ha la voce meno lurida e nasale dei primi due album, eppure non cede alle lusinghe del mercato. Fosco, psicotico, urbano, il soul di Archie è ancora inquieto, sonorizzazione intima e frammentaria del presente.

ADRIANO ZANNI – “passato, presente, nessun futuro” (Under My Bed Recordings) Adriano Zanni è uno scienziato, del suono e della fotografia. Uno di quelli che senza troppe chiacchiere ma con un minuzioso e accurato lavoro empirico, vi porta sul luogo del delitto, spinge play e vede l’effetto che fa. Il suo lavoro di raccolta di field recording e di allucinata materia sonora analogico-digitale rievoca il passato, il mistero, le inquietudini, ma anche le vibrazioni del reale (soprattutto in natura). Le concretizza, le mette davanti ai nostri occhi e orecchie. Spegnere la luce, ascoltare con attenzione, affrontare gli spettri e le ossessioni e rimetterle nella giusta prospettiva (preziose e rare occasioni di vederlo dal vivo nel mese di marzo, in occasione delle Boring Machines Night).

passato, presente, nessun futuro by Adriano Zanni

THE HELIOCENTRICS – “Infinity of Now” (Madlib Invazion) Se tornare ad ascoltare con calma un disco per intero è una delle opportunità offerte dalla mancanza di “eventi” o comunque un ottimo antidoto alla paranoia, ascoltare gli Heliocentrics è il primo passo verso una più duratura e consapevole pace interiore. Altro gioiellino di jazz cosmico fluido e paranoia free dall’ensemble guidato dal mitico Malcom Catto. Attenzione: contiene alto tasso di contaminazioni dal mondo.

Infinity Of Now by The Heliocentrics

SCOSSE ELETTRICHE – “Scosse Elettriche” (ADN Records) Con Scosse Elettriche arriviamo al livello successivo. La paranoia è solo un ricordo lontano, qualcosa di grottesco e scomposto che non ci appartiene più. Con Scosse Elettriche siamo in direzione atarassia, totalmente fuori dal tunnel dell’allarmismo compulsivo e della leggerezza peciona, in un equilibrio perfetto tra consapevolezza e improvvisazione. Il maestro dell’elettronica avant e liquida Riccardo Sinigaglia (componente del progetto magico Futuro Antico) incontra la batteria di Davide Zolli (in pausa da Squadra Omega). Il risultato è un flusso di coscienza tra psichedelia, jazz ed ambient che apre la mente e la fa respirare, ristabilendo armonia e proporzioni. Ascolto consigliato da 0 a 100 anni, in Italia a marzo per (almeno) due date live, a Roma e Perugia.

Scosse Elettriche by Scosse Elettriche

MILITARY GENIUS – “Deep Web” (Unheard of Hope) Se non avete ancora intercettato l’esordio a nome Military Genius siete in parte giustificati, l’album esce ufficialmente a inizio marzo ma ormai il buzz underground è cominciato da tempo (e lui è passato a farsi un giro in Italia giusto un attimo prima del Coronavirus). Un collage rarefatto di ambient spettrale, jazz visionario e cinematico, incursioni nell’elettronica lo-fi e fantasmi che si muovono in danze circolari, rievocando lo spirito di qualche soulman scaraventato in scenari post industriali. Abbassate le serrande, preparate un drink e aspettate che Alan Vega venga, pure lui, a farvi visita.

Deep Web by Military Genius

GIGI MASIN – “Calypso” (Apollo Records) Ci perdonerà (forse) il compositore veneziano se introduciamo “Calypso” come il disco perfetto se avete scelto di trasformare l’astinenza da eventi nella vacanza da sogno al mare che non avete mai fatto. Il nuovo album di uno dei maestri dell’ambient italica vi trasporterà sulle spiagge della Grecia senza il bisogno di cartonati esotici e cocktail fruttati, portando il profumo dell’acqua salata, la rilassatezza e il fascino della mitologia greca dentro le vostre narici ma soprattutto dentro le vostre orecchie. Onde ambient, caldi tramonti mediterranei, Brian Eno e Laurie Spiegel che fanno il bagno nelle acque calme di Ogigia. E poi in arrivo una data unica a Milano a cui arrivare assolutamente preparati.

Calypso by Gigi Masin

SIX ORGANS OF ADMITTANCE – “Companion Rises” (Drag City) Non abbiamo dato alcun senso particolare all’ordine di questa lista, ma la chiusura (del cerchio) con il ritorno del progetto di Ben Chasny ci riporta sul piano dell’equilibrio cosmico, del viaggio interiore, della solitudine come ricchezza, della dimensione rassicurante del folk ma pure un po’ visionaria e sci-fi della psichedelia, della coesistenza pacifica tra analogico e digitale. Chiudere con il nuovo album di Six Organs of Admittance è come approdare in un porto sicuro dopo un giro più o meno lungo fra rinunce e peripezie.

Companion Rises by Six Organs of Admittance

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