Eh, ho dei ricordi contraddittori: ovviamente c’era la contentezza di essere riusciti a fare una “roba”, per quei momenti, stranissima, un po’ impensabile. Dall’altra, con l’esibizione degli Skiantos, la famosa “spaghetti performance” (salirono sul palco senza nemmeno suonare una mezza nota), la reazione del pubblico, preparato a fare come già faceva in altri concerti dei medesimi ovvero a rispondere alle loro provocazioni, fu abbastanza incontrollabile. In tanti arrivarono armati di farina, uova, acqua che, ad un certo punto, cominciarono a lanciare sul palco. Non a caso, come si può vedere nelle foto fatte quella sera, gli Skiantos indossavano degli impermeabili per ripararsi e delle pentole, usate come scudi ed elmetti.
Noi, dato che non ci aspettavamo così tanto pubblico, pensavamo che se fossero arrivate duemila, duemilacinquecento persone sarebbe stata già “grassa”. Alla fine, contammo 5600 paganti, che sommati alle persone che facemmo entrare noi, raggiunsero le 6000 presenze. Era per noi una situazione difficile da gestire, visto che non avevamo previsto un servizio d’ordine, o qualcosa di simile.

Sì, assolutamente. Dopo salì Andy J. Forest, bluesman, che calmò un po’ gli animi e lesse un bellissimo testo, citando anche gli Skiantos medesimi. In chiusura, i Gaznevada. Fu una serata avventurosa, ma soprattutto diede il risultato per cui noi avevamo pensato e organizzato quel concerto, ovvero far suonare gruppi di Bologna per metterli all’attenzione della scena nazionale, cosa che successe. Molte di queste band iniziarono a suonare fuori città a Roma, Milano, Firenze, Torino, l’obiettivo fu raggiunto.
Quella sera, infatti, c’erano molti amici milanesi del centro sociale Santa Marta, alcuni salirono anche sul palco, come Gianni Muciaccia dei Kaos Rock. Sei mesi dopo organizzarono un evento analogo al Palalido di Milano, con la medesima presenza numerica dei partecipanti.
In quell’occasione era presente Gianni Sassi della Cramps e ci convinse che valeva la pena di fare un investimento su questa nuova scena rock italiana, così progettò e realizzò la collana “Rock 80”.
A quel punto c’erano due etichette, una di Bologna, piccola e disgraziata, e una grossa di Milano che avevano puntato su questa nuova ondata e questo ha facilitato tutto lo sviluppo che c’è stato dopo.

Ho cercato di mettere in evidenza la cosa bella di quegli anni, quello che era l’ambiente allora, al di là del Bologna Rock. La Traumfabrik e la galleria Neon, appunto, ma anche la Valvoline, tutto quello che ruotava allora intorno al “nuovo corso” dei fumettisti italiani. Era bello perché non c’erano gelosie, ci si incontrava in piazza o in giro, si chiacchierava e nascevano i progetti più disparati. Non pensavamo certo che sarebbe diventata una cosa così significativa, cercavamo principalmente di vivere, di vivercela bene noi.
Tutti in questi anni hanno raccontato la loro piccola storia, penso anche a Radio Alice. La mia intenzione era quella di fare una rassegna in cui c’erano tutti, raccontare com’eravamo allora, come ci rapportavamo allora nell’ambito della creatività: c’era una condivisione totale.
Infatti, il titolo “Pensatevi liberi” cerca di riportare in auge l’idea che non bisogna farsi condizionare troppo dalle regole, dalle situazioni che si incontrano.
Tra l’altro, in mostra, ci saranno dieci minuti inediti dal vivo dei Gaznevada, girato nell’80 a Milano. Mi sono emozionato io a rivedere quel video dopo tutti questi anni. Ero presente a quel concerto, mi ricordo che avevo una bellissima sensazione anche allora, però rivedere questa ripresa con una camera fissa sul palco, quindi niente di sofisticato o elaborato, che zoomava direttamente sui musicisti che suonavano, mi ha fatto percepire nuovamente quelle emozioni.
All’inizio della mostra è presente anche un dialogo immaginario tra Freak Antoni e Umberto Eco, scritto da Gianluca Morozzi e recitato dai gemelli Ruggeri. Era una cosa che volevo fare quando erano ancora entrambi vivi, ma non fu possibile. Allora l’ho proposta a Gianluca che è stato molto carino e bravo, Roberto Grandi ci ha dato l’imprimatur per quello che riguardava la parte di Eco. Io non lo conoscevo Umberto Eco e non volevo dire o scrivere delle cazzate (ride, ndr), per cui lui ha controllato i testi, ci ha dato una mano per curare la cosa.

Bellissimo “C’est disco” dei Rats!
Tieni conto che l’industria discografica era a Milano e a Roma. Punto. Il fatto che venissimo fuori noi da Bologna era una cosa fuori dal mondo. Questo, fece un po’ da cartina tornasole per il movimento. Fu molto importante perché fece capire a tanti musicisti, a tante persone che si volevano occupare di musica in altre città, prima fra tutti Firenze che ha preso il passaggio del testimone da noi, che si poteva fare, non cedendo ai compromessi, senza per forza passare dai soliti due canali. Facendo, in pratica, solamente quello che si aveva in mente di fare. E credimi: è l’unica formula vincente. Non dare mai niente per scontato e ricercare sempre qualcosa di diverso nella produzione musicale e nelle scelte artistiche, ma anche nella promozione degli artisti.
Effettivamente, stare in mezzo a quel mondo, significò percepirne i cambiamenti.
Io lo racconto sempre, relativamente ai Gaz. Loro erano il mio gruppo preferito o, comunque, quello su cui avevo lavorato di più. Andando a sentire i loro concerti, periodo ‘79-’81, nei locali la gente a fine concerto si metteva a ballare ascoltando musica disco canonica.
Fu un processo inevitabile, anche per i musicisti stessi, non solo per noi. Vivere quegli attimi significò, anche inconsciamente, pensare che si poteva inserire qualche elemento di distorsione anche nella musica “da ballare”. La musica da ballo di allora aveva testi molto banali, quindi cercammo di introdurre un po’ più di intensità nei testi, oltre all’uso dell’elettronica. Proprio in quel momento stavo approfondendo quel discorso, avevo imparato a farla e mi piaceva. Il riferimento, tra gli altri, era la scena newyorkese della 99 Records.
Intanto gli Skiantos erano già stati messi sotto contratto dalla Cramps.

Ma guarda… l’idea che si può fare qualunque cosa, credendoci.
Negli anni ho scoperto che tante persone erano su quel treno, in tantissimi mi hanno costantemente detto che, per loro, quel viaggio fu fondamentale per aprire gli occhi e per capire che si poteva osare, fare qualunque cosa. Io ebbi la medesima sensazione.
Noi eravamo coinvolti in prima persona per costruire una parte di quel progetto. La partecipazione a questa esperienza collettiva rappresentò uno stimolo continuo per noi, riguardo a quello che si poteva e si doveva fare. La cosa fondamentale è che qualunque evento tu faccia, in primis musicale, deve emozionare qualcuno. Se arrivi a far emozionare qualcuno vuol dire che hai fatto un buon lavoro. E quindi, la cosa che mi fa in assoluto più piacere è quando incontro persone che non conosco che, riconoscendomi, mi dicono “grazie ai dischi che hai fatto tu, alle cose che hai fatto tu, io sono stato bene”. Questa per me è la cosa più importante.
I soldi possono aiutare, ma noi non avevamo come scopo quello di fare soldi, non avevamo come obiettivo quello di diventare ricchi. Noi volevamo fare cose in cui credevamo, cose che ci facevano stare bene.

Sì, con Roberto c’è stato un rapporto molto bello. La cosa bella del nostro rapporto, come poi quello con Gianni Sassi, era che – pur non lavorando sempre assieme – quando ci si ritrovava, come per magia, nasceva qualcos’altro, qualcosa di nuovo.
Da un po’ di anni, lo cito perché è buffo come episodio, mi sto occupando delle Ocarine di Budrio con cui facciamo lunghi tour, anche in Oriente. E mentre io cominciavo a seguire il loro lavoro, Roberto – per un’altra vicenda – si era avvicinato anche lui al mondo dell’ocarina e addirittura aveva scritto un testo che s’intitola “Ocarina rock”. Quando l’abbiamo scoperto siamo esplosi a ridere entrambi, nessuno dei due sapeva che anche l’altro era interessato a questo mondo.
Invece un altro ricordo, decisamente più toccante, fu quando Roberto stava già in ospedale. Ho voluto andarlo a trovare, anche se sapevo che la mamma di Freak non aveva piacere, per vari motivi che posso capire, e quando sono andato a trovarlo era più in là che qua. Ma ebbe un attimo di lucidità, mi riconobbe e mi salutò.
All’interno della mostra c’è un sistema di realtà aumentata, quando la gente lo vedrà si divertirà molto, ma volevamo giocare anche con la realtà virtuale, usando la statua di Freak (presente nel parco del Cavaticcio, ndr). Avremmo voluto collaudare un visore per la realtà virtuale, in modo tale che chiunque avrebbe potuto sedersi sulla statua, indossare il visore e ritrovarsi al posto di Freak. E ad un certo punto, il razzo (nella scultura Freak ha uno zainetto a propulsione sulle spalle), l’avrebbe sparato in aria! Prima o poi, lo faremo! (sogghigna, ndr).

Oggi ci sono eventi musicali che sono sicuramente interessanti, il problema è che a questi eventi non ci va quasi nessuno, mentre una volta si riuscivano a coinvolgere molti spettatori. Si va perlopiù a sentire i concerti dal vivo di chi è molto conosciuto e famoso, emergono solo i “maghi” nell’uso dei social network: è diventato tutto molto superficiale, non c’è mai niente di intenso, di profondo, perché “quel mezzo lì” non trasmette determinate emozioni. Questo il primo limite.
La seconda difficoltà è che, quando un artista suona dal vivo, percepisce direttamente quelle che sono le reazioni del pubblico relativamente alla sua proposta. Se manca questo scambio, è durissima. Il confronto con il pubblico, oltre che con gli altri musicisti che lavorano con te, è fondamentale. Le cose “forti” vengono fuori dalla fusione di diverse identità.
L’altra sera, molto distrattamente, guardavo “The Voice”. Tecnicamente, all’interno di questo programma, ci sono cantanti molto più bravi e impeccabili rispetto a quanto non lo fossimo noi o altri musicisti, ai nostri tempi. Ma fanno molta fatica a comunicare “qualcosa”.
Poi c’è un altro aspetto: quella logica lì è già morta o sta morendo. La canzone tradizionale in quella forma è sempre la solita cosa, si ripete anche a distanza di cinquant’anni, non cambia molto la sostanza. Questi programmi di spettacolo e puro entertainment abituano gli artisti ad una situazione che non è reale, è iper tecnologica, iper pompata, in cambio danno solo visibilità – ma bisogna anche imparare a reggerla questa visibilità e a reggere le situazioni che, realmente, ogni artista deve affrontare. La dimensione live, ad esempio.
Noi già a fine ‘70 andavamo contro a quel concetto di musica, allora c’erano i cantautori, che indubbiamente hanno lasciato in eredità cose importanti, però quando oggi ripropongono concorsi dedicati ai cantautori mi scappa da ridere… cosa vuoi “cantautorare” ancora?!
Scherzi a parte, lo so che sono cattivo, però credo sia importante avere un po’ più di consapevolezza di quello che si fa o di cosa si può fare. Bisogna cercare nuove strade, andare contro a quello che è il mainstream del momento, perché se te lo fai andare bene vieni assorbito e solo in pochi ce la fanno, gli altri soccombono.