LievitoMadre affronta Medea, non come figura remota della tragedia greca, ma come corpo ancora aperto, materia che fermenta, dolore che non si lascia chiudere dentro il giudizio morale. La scelta di partire da elementi poveri e primari — pane, farina, acqua — sposta il mito in una zona rituale, domestica e perturbante: ciò che nutre può marcire, ciò che genera può distruggere, ciò che dovrebbe essere grembo diventa campo di conflitto.

Il titolo è già una chiave poetica. Il lievito madre conserva, trasmette, rinnova; ha bisogno di essere alimentato per restare vivo. In questa Medea, però, la trasmissione non è pacificata: il materno non viene idealizzato, ma portato nel suo punto più oscuro. Lo spettacolo dichiara infatti di voler interrogare “il gesto più innominabile”, l’infanticidio, non per assolvere Medea, ma per guardare dentro l’abisso psicologico che precede un simile atto. Gli stessi oggetti di scena sembrano dunque farsi drammaturgia: l’impasto come corpo, il pane come figlio, la farina come residuo, l’acqua come possibilità di vita e di distruzione. È una linea interessante perché sottrae il mito alla retorica e lo riporta al gesto, alla fatica, alla concretezza delle mani. Medea non è soltanto un’antica tragedia: è un corpo che manipola, trasforma, trattiene e consuma.

Il punto forte, almeno dalle premesse, è proprio questo: non raccontare Medea “contro” o “a favore”, ma restare accanto alla sua frattura più dolorosa, là dove la coscienza vede il male e tuttavia non riesce più a fermarlo. È il dilemma tragico che Euripide ha scolpito per primo con parole ancora indelebili: «So quale male sto per compiere, ma più forte dei miei pensieri è la passione».